Odisseo

Por: Alberto Benavides-Serrano

En días pasados Priscila Cortez nos comentaba como Nina se sentía como una banda que sabía lo que quería y sabía como hacerlo. Lo mismo encuentro yo en Odisseo, la banda de rock de Ecatepec, Estado de México, formada por Esteban González (Voz, Guitarra), Daniel León (Guitarra), Edgar Macin (Bajo), Rodolfo Guerrero (Teclados), Manuel Uribe (Bateria).

Pero si hay algo tan importante como saber hacia dónde se va, es saber de dónde se viene; eso Odisseo lo tiene también muy claro. En palabras de la banda sus influencias incluyen desde las letras que cantaba José José, Roberto Carlos, Julio Iglesias, Camilo Sesto, a la frescura de Jorge Ben, pasando por la elegancia de Scott Walker, Barry White, Marvin Gaye, Frankie Vall and The Four Seasons, retomando sonidos de bandas y artistas como The Smiths, Pulp, New Order, David Bowie, Talking Heads, The Style Council, The Strokes, Jesus and Mary Chain, entre otros.

Las “promesas” hechas por la banda al escoger sus influencias son cumplidas a cabalidad. Asimismo, la amalgama resultante, de la mano del obvio talento de la banda, constituye un estilo único; una esencia que se respira en la música que Odisseo genera. Su EP, Los Salvajes, lanzado en los últimos días, tiene sello propio; 5 cortes que se sienten como un trabajo completo y una personalidad definida.

Estamos ante lo que podría ser la génesis de la siguiente gran banda mexicana – ¿adivinen cuál es la actual?- ¿Que le deparara el futuro a Odisseo? Solo el tiempo y el vaivén de la maquinaria de la industria de la música, nos lo dirán. Por ahora no nos queda más que invitarlos a descargar Los Salvajes de su página oficial, escucharlo al menos un par de veces y de paso darle un vistazo al videoclip de su primer single “Los Salvajes” –próximo a lanzarse-. Me cuentan, ¿Qué tal?

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Confesión a Laura

A Film by: Jaime Osorio

Antes de que el cine colombiano girara alrededor de la eterna historia de la violencia y de los diálogos dominados por el “¿Qué paso gonorrea?” hubo películas que se preocupaban por contar historias que surgieran de nuestra historia y de nuestra cultura sin que giraran alrededor de esa manía absurda de rascarnos las llagas tercermundistas; películas como “Cóndores no entierran todos los días” de Francisco Norden, “La estrategia del caracol” de Sergio Cabrera y la innecesaria víctima de mi forma cancerígena de hacer reseñas el día de hoy: “Confesión a Laura”.

“Confesión a Laura” se ubica en 1948 siguiendo los primeros días después del Bogotazo, el gobierno esta tratando de recuperar la Biblioteca Nacional al ser un punto clave de la ciudad, a pocas cuadras de la Biblioteca viven Laura y sus vecinos de enfrente Josefina y Santiago, Santiago va a la casa de Laura a llevarle un pastel pues es su cumpleaños pero al llegar a la casa de Laura la situación de la ciudad se complica y ahora Santiago no puede regresar a su casa pues el gobierno ha impuesto un toque de queda y cualquier persona que salga a la calle será ejecutada in situ. Confinados en una casa Laura y Santiago construyen una relación que no esperaban, cada uno conociendo a una persona que no se imaginaban que existiera.

La película se presenta con técnicas que parecen mas del teatro que del cine (el uso de un solo set, la cantidad mínima de personajes, el que los actores no hagan contacto visual con la cámara) y eso la vuelve una película bastante peculiar a nivel estético, pero la historia es lo que mas llama la atención en este filme, en vez de ser una historia sobre que fue el Bogotazo nos presenta una historia sobre como se construye una relación entre dos personas en tiempos donde poder expresar libremente lo que se piensa es muy difícil, mas que ser sobre el Bogotazo es sobre que era ser bogotano en esa época y en ese momento histórico.

“Confesión a Laura” es una película que nos recuerda que nuestra industria cinematográfica puede llegar a hacer algo mas que cine de panfleto, que tiene la capacidad de contar historia que exploren el núcleo de las relaciones humanas, de cómo funcionamos independientemente de nuestra nacionalidad o de la situación en la que nos encontremos, nos muestra que nuestro cine es capaz de ser universal sin perder sus “raíces” y que podemos hablar de nuestra cultura, de nuestra historia y de nuestra sociedad sin convertirla en una caricatura de sicarios, putas y yonkis.

A veces solo necesitamos a dos cachacos en una pieza en el centro.

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Un Ciclopaseo muy Cachaco

Por: Valeria Grajales

Este sábado 27 de agosto, The Whistles te invita a tomarte Bogotá en Un Ciclopaseo muy Cachaco. Se recorrerán lugares de gran relevancia histórica y cultural con el objetivo de renovar nuestro sentido de pertenencia con la capital tan propio de épocas atrás. De igual forma se promoverá el uso de medios te transporte que no afectan el medio ambiente y que tegasn un efecto positivo en la salud de las persoas.

El recorrido empieza a las 11:00 am en el edificio antiguo de la Gobernación de Cundinamarca (Avenida Jiménez con carrera séptima); con escala en: Las Aguas y Héroes, en esta última se realizará la actividad central que incluye un desfile de moda cachaca y música en vivo.

Usa tu creatividad para crear tu look al estilo de los años 40, si consigues impactar, habrán premios bicicleteros para ti. No faltes, será una experiencia inolvidable, ve con tus amigos y disfruta el recorrido. Ama tu ciudad.

Fotografías del evento

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Francisco The Man

Por: Alberto Benavides-Serrano

Esta banda de Los Angeles, California, compuesta por Scotty Cantino (Voz / Guitarra), Néstor Romero (Bajo), Abdeel Ortega (Batería) y Brock Woolsey (Guitarra) propone, en sus palabras, una mezcla de música regional mexicana, pop italiano y Shoegaze. ¿Cómo suena eso?, dan ganas de empezar a escuchar ¿No?

Francisco The Man suena a riffs de guitarras distintivos, impetuosos y a la vez llenos de nostalgia. Suena a un bajo divertido que no se dedica a llenar el vacío sino que imprime vida y energía a las canciones. Y, gracias a la voz de Cantino, suena a Folk y Garage al mismo tiempo. Francisco The Man suena a un sub-genero propio dentro del indie.

With Friends Like You, un EP con cinco canciones, lanzado el 18 de Mayo del año pasado, y su nuevo set de dos canciones, Broken Arrows, son el mejor abrebocas de lo que –ojala- está por venir. "Do You Remember?" y "Broken Arrows" son mis favoritas, en especial la primera. En palabras de su vocalista Do you remember? es una canción sobre crecer, los viejos amigos, irse y ser otro para siempre; sobre los cambios en la vida y como se lidia con ellos. "Do you remember when you were young, the way you used to think?... Time to come back home. Won’t you come back home?! In my mind we are seventeen…" 6 minutos y 26 segundos de nostalgia pura y dura con una secuencia instrumental al final que no deja otra salida que evocar momentos que no volverán; pocas canciones pueden jactarse de eso.

Sin más preámbulo. He aquí a Francisco The Man, una banda que nos ofrece en With Friends Like You y Broken Arrows una propuesta distintiva y un sonido fresco; siete cortes que nos dejan con un muy buen sabor de boca y a la expectativa de lo que aún tiene por ofrecernos.

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Good Bye, Lenin!

A Film by: Wolfgang Becker

Berlín, octubre de 1989. Unos días antes de la caída del Muro, la madre de Alex, una mujer orgullosa de sus ideas socialistas, entra en coma. Cuando despierta ocho meses después, su hijo hará lo posible y lo imposible para que no se entere de que ya no existe su querida Alemania Oriental, para que no sepa que está viviendo en una Alemania reunificada y capitalista.

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Darren McDonald‏

Photos by: Darren McDonald‏

Por: Juliana Mira

De naturaleza juguetona y sensual así son las imágenes de este fotógrafo, nacido en Hong Kong y radicado en Australia, es reconocido por su trabajo en publicaciones de moda como Oyster, Harper’s Bazaar, Russh y Elle.

Destacado por sus habilidades para escribir y para la oratoria en su época de secundaria entro en la escuela de leyes, pero al terminar sabía que no era lo que realmente le apasionaba. 

Cautivado siempre por el poder de las imágenes, sus ambiciones iniciales estaban puestas por completo en el cine, mientras esto la fotografía hacía parte de su vida como "un hobby", que cada vez fue explorando más y en el cual fue descubriendo su potencial para captar imágenes, siendo así para él su talento con la cámara una revelación emocionante.

Mientras avanzaba en su carrera como fotógrafo, se interesó en formar parte de la industria de la moda, vio en ella un vehículo para la expresión donde se integran diversas disciplinas, modelaje, música, fotografía, diseño, todos juntos en una industria siempre  a la vanguardia.

Sus fotografías, en las cuales se destaca el blanco y el negro con un toque de misterio y realidad logran reflejar la identidad de lugares, personas y marcas para las cuales crea imágenes. 

En su trabajo se destacan también los proyectos de video o fashion films demostrando así que tiene claro que la fotografía de moda ha estado evolucionando, en donde la imagen fija ya no es el único objetivo de trabajo para un fotógrafo de moda.

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Las Puertas del Cielo

Nuevamente Bogotá nos demuestra lo mucho que tiene por dar. Los asistentes a la última edición de Las Puertas del Cielo, en el Museo del Chicó fueron testigos de la multiplicidad y variabilidad en los expositores. Más que la compra, se promueve la trascendencia de los objetos, de manera que aporten emociones y satisfacción a su usuario. Una vez más se han desechado las producciones en serie en diferentes ámbitos como el diseño de accesorios, demostrando la sed de individualidad en los capitalinos, los cuales llevan un estilo de vida independiente y guiado por sus gustos personales.

Esta feria que ya ha adquirido bastante fuerza en la escena bogotana ofreció una gran afluencia de estilos y corrientes de nuevas ideas de talla internacional; además del diseño la culinaria se apropió del sitio imponiendo novedosas tendencias sinónimos de una vida alternativa y sana, todo esto a partir de productos a base de ingredientes naturales que evocan las mejores sensaciones de hogar.

En contraparte los expositores presenciaron un gran número de visitas y clientes interesados en elementos novedosos. Diversidad de criterios de selección al vestir y comportarse, muestran una nueva faceta de la ciudad que ocasionalmente vemos. Tendencias alocadas, coloridas y de épocas remotas crearon una atmósfera distinta. Sin duda, Bogotá estuvo más chic que siempre. Hubo una descarga inmensa de energía y buenas vibras gracias a Monsieur Periné, banda invitada por la revista Shock. Con su sensacional mezcla de sonidos y ritmos propios del folclor colombiano fusionados con letras en francés, dieron una nueva visión de la música colombiana actual, dejando con ganas de más a los presentes.

El evento contó con una gran calidad humana y amabilidad en todos los sentidos. Nosotros desde la sutileza de una cámara decidimos capturar los momentos más espontáneos vividos en el día. Esperamos que no te hayas perdido esta oportunidad; en el caso de ser así, aquí te adelantamos con las mejores imágenes del festival para que la próxima vez no dudemos en contar con tu asistencia.

Fotografias del evento

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Das Weiße Band

A Film by: Michael Haneke

“Dass Weisse Band” puede ser muchas historias, puede ser una historia sobre el ambiente general de Alemania antes de la primera guerra mundial, puede ser una historia sobre las relaciones humanas y como se alteran bajo la presión de eventos inesperados e inclusive puede ser una historia acerca de la naturaleza de la Alemania rural protestante, pero brillantemente la película no es ninguna de estas historias y a la vez (paradójicamente) las es todas.

Estoy consciente como redactor de lo errática que suena esta premisa, sin embargo no es una aseveración empírica por si sola, Haneke logro construir una película que involucra todas estas cosas a través de la voz de un narrador que estuvo presente en todas estas situaciones y que nos guía lentamente a través de todas estas historias, algo especial sobre este narrador es que no lo sabe todo, podría decirse que el narrador sabe lo mismo que nosotros.

La historia en esta película es secundaria a la forma y estructura narrativa, el director logra construir un lenguaje cinematográfico terriblemente franco que no se esconde en alegorías o estructuras de símbolos y referencias, la historia esta ahí sin esconderse tras nada y eso es lo que la hace mas impactante (vale la pena señalar un diálogo entre los hijos del médico en el que la hermana mayor le habla sobre la muerte a su hermano menor) la película es en blanco y negro pero su lenguaje es de un gris terrible, algo que podríamos reconocer como característico de Haneke en películas como “Funny Games U.S”; los personajes de la película están marcados por un pesimismo inherente que a veces se presenta en la forma de un jornalero que ha perdido a su esposa y a su trabajo (Alemania rural), de la relación tan dura que tiene un hijo con su padre protestante y moralista (las relaciones humanas) o la aceptación de ir a una guerra para la que no se esta preparado, pero todos están infatuados con este ojo sombrío sobre la vida.

“Dass Weisse Band” sin embargo puede llegar a ser una película imposible de reseñar, todos los elementos que la componen son sutiles y a veces imperceptibles, así que sí, tal vez esta reseña haya sido un ejercicio de futilidad, sin embargo que esto no los espante de ver la película, es un filme que deja una impresión muy fuerte en el usuario, que a nivel técnico y estilístico es supremamente minimalista pero que por esto no pierde su carácter de historia universal y magnánima, es una gran película que no requiere de grandes temas para contar una gran historia.

Véanla, disfrútenla, analícenla y si quieren mándenme un correo furibundo después diciéndome que mi ojo de cinéfilo sufre de conjuntivitis extrema.

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Brittany Markert

Photos by: Brittany Markert

Por: Cherry Fajardo

Mujeres en atmósferas, tal vez muy comunes, que se convierten en ambientes íntimos.

La fotógrafa estadounidense Brittany Markert a través de su cámara, logra crear imágenes que generan sensualidad entre cuerpos desnudos y poses sugestivas, que despiertan el interés por ir descubriendo su fotos una a una.

Sin pretender ser un trabajo ostentoso es sin duda un proceso sencillo, donde esta joven opta por tomar su cámara y sencillamente sin mayores requerimientos técnicos hace de un lugar, de un momento y una persona una sensación que es fácil de despertar en cualquier espectador.

No es común ver que una modelo ex participante del reality America's Next Top Model, se decidiera por tomar el rol del fotógrafo, pero Britanny al serlo tiene una ganancia a su favor, entiende un poco más de cerca el lenguaje corporal que debe tener un modelo a la hora de tomar una fotografía, pero sobre todo es interesante entender desde una perspectiva femenina la sensualidad en el cuerpo de una mujer sin caer en lo vulgar.

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Nina

Por: Priscila Cortez (Argentina)

Nina es un viaje de sonidos traído a nuestros oídos por esta banda oriunda de la zona de Córdoba, Argentina. Nina está conformada por Juan López (Voz y Guitarra), Nicolas Testoni (Guitarra), Luciano López (Bajo) Fernando Manassero (Teclados) Raúl Fathala (Batería).

¿Puede haber algo mejor que hacer lo que a uno le gusta? Sí, tres cosas: hacerlo, que le guste a otros y hacerlo con amigos. Nina hace todo esto. ¿Chicos con suerte? no. Yo diría, más bien, chicos con talento, ganas y decisión, con las energías puestas en un mismo objetivo: superarse, ser mejores cada día y hacer mejor música. Todo eso no se hace de un día para el otro; lleva trabajo, tiempo, dedicación, desgaste, etc. Pero también puede ser muy divertido.

Nina se siente como el trabajo de una banda que sabe lo que quiere y sabe cómo hacerlo, con mucha  excitación sonora que va desde el pop económico y preciosista a una combinación de rock psicodélico y una lírica absurda y pegadiza. La voz de Juan por momentos puede parecer suave pero en realidad le agrega más color a las canciones. Un claro ejemplo es Circo, un tema muy bien logrado donde las voces y la instrumentación parecen estar al servicio del oyente, dejando como resultado una de las canciones más entretenidas.

En síntesis, parece que hay Nina para rato, suenan frescos y no cansan, aunque todavía se nota que la estructura está en plena construcción: hay camino para recorrer y mucho por hacer.

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La Lengua de las Mariposas

A Film by: José Luis Cuerda

Situada en 1936, Don Gregorio enseñará a Moncho con dedicación y paciencia toda su sabiduría en cuanto a los conocimientos, la literatura, la naturaleza, y hasta las mujeres. Pero el trasfondo de la amenaza política subsistirá siempre, especialmente cuando Don Gregorio es atacado por ser considerado un enemigo del régimen fascista. 

"Conmovedora, bella pero durísima, triste y sin embargo llena de entusiasmo y de futuro. Una película de niños republicanos" Eduardo Haro Tecglen (Diario El País) 

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Conquering Animal Sound

Por: nonrelational

Dos amantes de la música techno, escoceses  y con una aspiración a formar música orbital; que es lo que básicamente viene a la mente escuchando Maschine. Conquering Animal Sound es una banda conformada por Anneke Kampman & James Scott; habitantes de Glasgow City, UK. Comenzando a tocar desde el 2008, su sonido es minimalista, en proporción con Philip Glass, pero con una cantidad de loops anormal que suena familiar; un retoque específico que sobrepasa las fronteras de la voz y sonido. Como Mondrian; ¿Dónde termina la canción? Dura linealmente, o es propensa a repetirse, ¿A volverse un loop continuo de imaginario en nuestro psique?

Kammerspiel es sencillamente absurdo; es el absurdo de la musicalización, cuestiona la existencia de ritmos consonantes y compases rimantes; cuestiona el ritmo de la música, cuestiona el paradigma musical actual, pero aún, no decepciona. No es abstracción, pero sí es entrega: si bien cuestiona el porqué de la música y de su orden, Conquering Animal Sound se eleva sobre la mera rotulación musical para ofrecer al oyente una experiencia renovadora; con poco reconocimiento y música que confronta, Conquering Animal Sound se constituye como el Cortázar musical; ¿por qué hacer música como música? Cada pad usado toma consciencia de sí y se constituye como un elemento que da cuenta de sí mismo y persigue la sublimación artística.

Lo que no hay que descuidar es que Conquering Animal Sound no se abstrae a preocupaciones musicalmente estériles, sino que se concentra en lo que la música es: aborda el panorama musical y lo describe como mejor puede: “tocando”.  Pero no olvidemos: Este grupo es pop. Es popular music, dado a las masas, hecho para escuchar, no para estudiar. A veces, lo único negativo, es que la materialidad de su música esté bajo el espectro de nuestra cultura, bajo la visión de nuestro tiempo, es eso lo lamentable del álbum.

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Se abren Las Puertas del Cielo

Por: Valeria Grajales

La feria de diseño independiente de mayor aceptación en Bogotá, se tomará la capital como sucursal del mundo en su nueva edición: Ciudades del Cielo. El domingo 21 a partir de las 10 a.m, el Museo del Chicó recibe a más de 3000 visitantes dispuestos a vivir una experiencia brindada por los objetos, más allá de su adquisición.

En esta ocasión la diversidad y los contrastes de las ciudades más importantes del mundo serán reunidos, creando una atmósfera ecléctica y seductora para el intercambio de ideas.

The Whistles estará presente. Te invitamos a sorpréndete, a formar parte de este evento que además de destacar la creatividad de artistas y diseñadores alternativos en Colombia, se convierte en una oportunidad para salir de la rutina, encontrar nuevos puntos de vista y pasar un rato agradable.

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Blade Runner

A Film by: Ridley Scott

A finales de los 60´s y hasta principios de los 80´s el cine de ciencia ficción se había cimentado hacia la fama y el reconocimiento por parte de la crítica gracias a tres películas que cambiaron las reglas de juego, esas películas fueron: la aclamada y bien conocida saga de Star Wars dirigida por George Lucas, Odisea en el espacio: 2001 dirigida por Stanley Kubrick y finalmente Blade Runner de Ridley Scott. Mientras que Star Wars reescribió las viejas historias de héroes y villanos en un mundo de proporciones inconmensurables y Kubrick creaba una película llena de simbologías cripticas y de un hermetismo (valga la redundancia) impenetrable, Blade Runner estaba sentando las bases de la estética y narrativa cyberpunk en el cine.

La trama se ubica en el año 2091 en la Tierra(específicamente la ciudad de Los Angeles), el proceso de colonización espacial ha sido posible gracias a la invención de los robots Nexus (conocidos como replicantes) de la corporación Tyrell, sin embargo el desarrollo de estos androides ha llegado mas lejos de lo que la corporación esperaba, la inteligencia artificial de estas máquinas ha llegado a tal punto que empezaron a desarrollar emociones y pensamiento crítico y sensorial a la par con su pensamiento lógico.

Como una medida de salvaguarda, la corporación Tyrell limita el tiempo de funcionamiento de los androides a 4 años, conscientes de esto  los replicantes empiezan a sublevarse y empiezan a desplazarse hacia a la tierra desde las colonias espaciales, los Blade Runners son los encargados de cazar y neutralizar a los replicantes, es ahí cuando se nos presenta a Rick Deckard, un Blade Runner retirado que vuelve a su oficio para cazar a un grupo de  tres replicantes entre los cuales se encuentra el antagonista conocido como Roy Batty, desde ese punto la película se vuelve una persecución sórdida en donde a través de los personajes vamos viendo como la tecnología y la necesidad de esta moldean a los sociedades y a las personas y de que tan desdibujada esta la línea entre lo humano y lo no humano.

Blade Runner llama la atención no solo por su trama sino por su estética visual, Scott logra crear un mundo distópico en donde la mugre y la luz se mezclan en una ecuación perfecta, en esta película se crean las bases de la estética visual cyberpunk que seria explorada mas tarde por películas como Mad Max o inclusive Dark City de Alex Proyas. Blade Runner es una película que para nosotros cuenta con un valor histórico intrínseco al ser una de las primeras películas de ciencia ficción que abordaron los temas del género desde lo psicológico, lo filosófico y lo ético que explorarían décadas mas tarde películas como Matrix o inclusive terrenos tan alejados como el manga en Neon Genesis Evangelion, en fin, una película vital, no solo para el aficionado a la ciencia ficción sino para los cinéfilos en general.

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Foster The People

Por: Alberto Benavides-Serrano

Para muchos amantes del indie pop/rock, Torches, el primer álbum de la banda californiana Foster The People, se convirtió en el lanzamiento más esperado del 2011. No era para menos, después de casi un año constante de rotación online de su aclamado corte Pumped Up Kicks y el consecuente EP Foster the People, las expectativas estaban más altas que nunca para su lanzamiento el 23 de Mayo. ¿Qué ha pasado desde entonces?

Los comentarios no se hicieron esperar, la red volvió a vibrar al ritmo de la banda. Sin embargo, una cantidad considerable de críticos consideran a Pumped Up Kicks una torre solitaria en la mitad de un álbum que no cumplió con lo prometido; una práctica que es actualmente mas una regla que una excepción. Las expectativas superaron a la realidad. Al igual que la crítica las comparaciones fáciles tampoco demoraron mucho su aparición:

Foster The People = Strange Talk – Australia + California

Foster The People = (Passion Pit)^2 + Sonido Infeccioso

Foster The People = Kings Of Convenience + Falsetto

Foster The People = MGMT * pop + 2011– Psicodelia

Foster The People = +/- Broken Bells, The Xx, Matt & Kim, The Virgins, Two Doors Cinema Club, Justice, Phoenix.

La lista puede continuar, pero un común acuerdo final parece primar sobre estas comparaciones, tan solo Foster The People = Foster The People. Asimismo, es injusto condenar a Torches a llevar la etiqueta de One Hit Album. Canciones como Helena Beat, Call It What You Want, Houdini y Warrant – perfecto cierre - son igual o más acreedoras de atención que el alabado himno de la primavera. Lo anterior no implica que los demás cortes del álbum no lo complementen a la perfección; brindando 38 minutos de un recorrido lacónico y ligero, pero al mismo tiempo hipnótico y con una amplia gama de emociones para comunicar.

Torches constituye un álbum perfecto para el verano, lleno de coros y letras memorables que elevan las canciones y ¿por qué no?, el espíritu.  Para los que aun no le han dado la oportunidad a esta banda los invitamos a juzgar por ustedes mismos y a los que ya lo hicieron, ya saben lo que dicen: nunca es tarde para enamorarse. Yo por el momento me dejare atrapar el 17 de Septiembre en la House of Blues en Houston,  ¿Podrán Mark Foster y su banda sustentar en escena el calculado y perfecto tono de su primer álbum?

 

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